4º ESO: LA MÚSICA EN EL CINE

 

 

LA MÚSICA EN EL CINE

 

Desde el nacimiento del cine en 1895, patentado por los hermanos Lumière, la música ha estado siempre presente en él, incluso al principio con el cine mudo, ya que el cine sonoro nació en 1926.

La inclusión de la música en el cine es debido, fundamentalmente, a dos razones:

1º En el cine mudo existía un ruido que provenía del funcionamiento del aparato proyector. Para no molestar a los espectadores se pensó en utilizar una música de fondo que disimulase este molesto ruido y que hiciese más cómoda su estancia en la sala.

 2º En el desarrollo de la película aparecían distintos tipos de escenas; escenas cómicas, dramáticas, etc. Para conseguir dar a la película una mayor carga expresiva en el desarrollo de ciertas escenas era necesario reforzar el mensaje visual con una música adecuada que incidiese en la comicidad o en el dramatismo de las imágenes.

Por esto se pensó en la posibilidad de recurrir, durante la proyección de la película, a la interpretación por parte de un músico o un grupo de músicos de diversas melodías al mismo tiempo que se proyectaba la película. De esta manera se reforzaban los momentos clave, interpretando partituras de música conocida.
Dependiendo de la importancia de la sala, podemos encontrarnos con algunas en las que aparecía un solo músico al piano y en las grandes salas que podían permitírselo, una orquesta completa.

En un principio, para acompañar las proyecciones cinematográficas se seleccionaban fragmentos de música clásica, que se interpretaban cuando se consideraban apropiadas a las escenas de emoción, alegría o drama que aparecían en las películas.
Uno de los principales problemas era la falta de relación entre la música empleada, elegida entre el repertorio clásico y que, en ocasiones, no tenía relación con la imagen. Existían una serie de tópicos para la música que se incorporaba a algunas escenas: por ejemplo, si la escena trataba de una boda, se escuchaba la Marcha nupcial de Mendelssohn o de Wagner, la Marcha fúnebre de Chopin para entierros o escenas fúnebres; la Canción de cuna de Brahms cuando aparecían un personaje dormido; redobles de timbal para escenas de muerte, de ejecuciones, etc.

 

 

Poco a poco fue surgiendo la necesidad de crear una música que fuese afín a determinadas películas y no un simple ornamento, que tuviese fines expresivos. Los primeros intentos de realizar composiciones pensadas, creadas y destinadas a una determinada película.

CHARLIE CHAPLIN Y EL CINE MUDO

 

 Actor, compositor, productor y director inglés, que alcanzó fama internacional con sus películas mudas, es considerado uno de los grandes creadores de la Historia del Cine.
Chaplin apareció por primera vez en el cine en 1913 e hizo por primera vez el personaje del vagabundo Charlot en 1914 en la película Carreras de autos para niños, con sus anchísimos pantalones, enormes zapatos, bombín y bastón de bambú, papel que interpretaría luego en más de setenta películas.
Algunas de sus películas más importantes fueron Tiempos modernos (1936), El Gran Dictador (1940), Candilejas (1952). En algunas de ellas, pese a realizarse ya en la época del cine sonoro, él seguía con su pantomima debido a su gran efectividad, de la que dependía en gran parte su creación.
Aparte de componer la mayoría de la música de gran parte de sus películas, Chaplin mostró en muchos de sus filmes su preocupación por los problemas sociales de su época.

 

EL NACIMIENTO DEL CINE SONORO

Es en 1926 cuando la productora americana Warner Brothers introdujo el sistema sonoro (vitaphone) que permitía la grabación de las bandas sonoras musicales y los textos hablados en grandes discos que se sincronizaban con la acción de la pantalla y , sobre todo, cuando en 1931 surge un nuevo sistema (movietone) que permite grabar el sonido directamente en la película, en una banda lateral, lo que hace que el cine sonoro pase a convertirse en un fenómeno social, donde la música se convierte en un elemento indispensable de la película.
 La primera película con sonido es El cantante de Jazz en el año 1927, y aunque básicamente es muda, incorpora algunos pasajes hablados y cantados.

Con el cine sonoro aparece también la figura del compositor musical para cine, creando progresivamente una música original para cada film. 

Os dejo aquí un fragmento de la película "Tiempos modernos", dirigida y protagonizada por Charles Chaplin en 1936. Es una mezcla de cine mudo y sonoro, de hecho, ha sido considerada por algunos la última película de cine mudo. Incorpora sonidos como el ruido de las máquinas, la voz de la megafonía,... Esta película es un reflejo de las condiciones desesperadas de las cuales era víctima un empleado de la clase obrera en la época de la Gran Depresión, debido a la industrialización y a la producción en cadena.

Tiempos modernos es una mezcla entre el cine mudo y el sonoro: a veces es considerada como la última película muda de la historia. Se emplearon algunos efectos auditivos, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces, así como el ruido de las máquinas.

La película se enfocó en mostrar el aspecto social de esa época. Muestra el trabajo mecanizado, la producción en cadena, el estrés, la opresión, el hambre, la pobreza e injusticia social que vive esa sociedad, principalmente la clase baja y más vulnerable de Estados Unidos.

 

LOS AÑOS 30

En la década de los 30, la música se utiliza para hacer la película más completa: describir ambientes, caracterizar personajes,  enlazar secuencias. Al igual que las oberturas de las óperas, en la música que acompaña a los títulos de crédito se sintetiza el carácter de la película.
En esta década, muchos compositores europeos han llegado a Estados Unidos escapando del ascenso del régimen nazi. Dos de ellos, Erich Wolfgang Korngold y Max Steiner, son fichados por la productora y para ella crearán las mejores bandas sonoras de la década. 

Es la época de los grandes compositores sinfónicos de cine. Estos músicos se inspiraban en los grandes compositores del repertorio clásico, especialmente los del romanticismo, dando lugar a composiciones muy expresivas, ampulosas y de corte sinfónico.
A partir de este momento, el papel de la música en el cine cambia totalmente su función convirtiéndose en una especie de sinfonía destacándose un tema que será el más recordado y se crea un leitmotiv para identificar cada personaje importante de la trama. El final solía ser grandioso, con un posible anexo en la música de los títulos finales.
La producción de música cinematográfica en Hollywood comienza, verdaderamente, en 1929 con Max Steiner, compositor vienés de más de 300 bandas sonoras de películas, entre las que destacan Murieron con las botas puestas y Lo que el viento se llevó (ganadora de 8 óscar de la Academia de Hollywood) entre otras muchas.

Os dejo aquí algunos ejemplos con escenas de las películas:

 "Lo que el viento se llevó"

 "King Kong"

"Casablanca"

Aquí os dejo un ejemplo de otro estilo: la película "Swing time", de 1936, con música de Jerome Kern, con un estilo de jazz y swing y con el baile como eje central. Los protagonistas eran dos de los mejores bailarines de la época: Fred Astaire y Ginger Rogers.

AÑOS 40 Y 50

La década de los 40 y 50 supone para Hollywood su época dorada, tanto en el plano técnico (montaje y fotografía) como en el plano musical. En esta época se han solucionado muchos de los problemas técnicos del arte cinematográfico y se consolida la creación de bandas sonoras, que adquieren una gran perfección.
En este momento, gracias a los avances técnicos, se utiliza una pista con tres bandas sonoras que contienen el ruido ambiental, la música y los diálogos en versión original (que es la única parte que se altera cuando se dobla a otro idioma).

 

 Compositores más destacados de este período
Entre los compositores más importantes de este periodo destaca en primer lugar Alfred Newman, que compuso música para más de 300 películas.
Miklos Rozsa fue otro de los compositores destacados. Recibió tres oscar de la Academia de cine. Uno de ellos por la película Ben-Hur, ganadora de 11 oscar.
En este vídeo podemos escuchar uno de los temas que aparecen en dicha película: 

 

 

En esta época aparece el cinemascope. En este sistema la pantalla es más ancha y hay un mayor uso del color.
En el aspecto musical, se comienzan a utilizar partituras inspiradas en la música de jazz, jugando con su creatividad en función de las necesidades de la película. Destacamos al compositor Elmer Bernstein.
 En esta década tenemos una de las grandes bandas sonoras de Elmer Berstein: "El hombre del brazo de oro":

 

Y otra de las más conocidas, con un estilo completamente diferente: "Los diez mandamientos":

 

 Esta es la banda sonora de "Solo ante el peligro", de 1952, de Dimitri Tiomkin:

 

AÑOS 60

Aquí podemos escuchar el tema de la banda sonora de "Los siete magníficos", de Elmer Bernstein, un western de 1960.

 

En ese mismo año, Alex North pone música a la película "Spartacus". Os dejo aquí el tema de amor de la cinta:

 

 
 En 1965 se estrena "Doctor Zhivago", con música de Maurice Jarre.

El mismo compositor compone la música de "Lawrence de Arabia" en 1962. La película fue ganadora de 7 premios Óscar, incluido el de mejor banda sonora.

Bernard Herrmann es uno de los compositores más importantes de la historia del cine, ya que su gran conocimiento de la técnica compositiva le ha permitido crear tanto música para temas líricos como temas de lo más escalofriantes. Sus colaboraciones en las películas de Hitchcock le han dado fama mundial sobre todo por Psicosis, considerada por muchos como su obra maestra.

La década de los 60 se caracteriza por la incorporación de la música ligera al cine.  
Henry Mancini es la estrella indiscutible de la década, con partituras como Desayuno con Diamantes (1961) o La pantera rosa. Con la primera de ellas impone la moda de una canción, sin relación con la trama argumental, se repita varias veces a lo largo de la película a modo de leitmotiv o hilo conductor, acompañando a imágenes con las que nada tienen que ver. La  crisis de los valores tradicionales y la renovación de los mismos impulsada por la juventud heredera del mayo del 68, junto al auge de la música popular (cuyos máximos representantes fueron The Beatles), y de la canción folk en los años siguientes, convertirá a esta moda en una constante, hasta que en los años finales de la década la banda sonora entra en decadencia, sustituida por un conjunto de canciones que, sin guardar ninguna relación con las imágenes, acaban adueñándose de las escenas.
Henry Mancini fue también el primer compositor que, previendo el éxito de las bandas sonoras como objeto independiente de las imágenes para las que se crearon, pensó en la mejor manera de presentarlas al oyente en forma de disco, reorquestando y modificando los temas para hacerlos más atractivos.

Os dejo aquí el tema central de la película "Desayuno con diamantes", de Henry Mancini.

 

  Y a continuación os dejo la que es, quizá, la banda sonora más conocida de Mancini: "The Pink Panther".

 

En la película original de 1963, titulada "The Pink Panther" (La pantera rosa), del director Blake Edwards, el nombre aludía a un diamante de ese color, cuyo robo es el tema central de la historia. En la película se recurrió a un fragmento de animación para la introducción y los créditos iniciales y finales. Blake Edwards encargó al prestigioso animador Friz Freleng (creador de personajes como el gato Silvestre, Piolín, Porky o Speedy Gonzales) que crease un dibujo animado para tal fin, pidiéndole que fuera gracioso, mudo y de color rosa. 

En el estreno de la película, el dibujo de los créditos llamó tanto la atención que los productores llegaron a plantearse que continuara como un personaje independiente, y posteriormente se hizo una serie de animación con él como protagonista.

 

Pasando a otro estilo, en el género del cine musical aparece en 1961 la película "West Side Story", con música del compositor y director de orquesta Leonard Berstein. La película fue premiada con 10 premios Óscar.

 

El cine europeo comienza a abrirse camino con compositores franceses, británicos, italianos y españoles, que alcanzarán una dimensión internacional. Destacó el compositor italiano Ennio Morricone, cuyos trabajos más conocidos son  sus bandas sonoras para los spaghetti western de Sergio Leone.

 

En el año 1960 se estrena la película "Exodus", con banda sonora de Ernest Gold, otro de los grandes compositores de música de cine:

Como hemos dicho anteriormente, a finales de la década de los 60 se comenzará a suprimir la banda sonora original, que será sustituida por canciones de moda o temas musicales sin conexión alguna con el argumento de la película. Un ejemplo es la película El Graduado, con el tema The Sound of Silence, de Simon & Garfunkel.

AÑOS 70

 

 En estos años surgirá uno de los compositores más importantes de todas la historia del cine, John Williams, que con la banda sonora de La Guerra de las galaxias conseguirá ser un referente para todas las generaciones posteriores.

 Con bandas sonoras de películas como La guerra de las Galaxias, El Imperio Contraataca, En busca del arca perdida, El Retorno del Jedi, Tiburón, Supermán, Indiana Jones, Parque Jurásico o La lista de Schindler, entre otras, supone una verdadera revolución dentro de la música del cine.

Os dejo aquí algunos ejemplos de sus grandes éxitos en el mundo de la música para el cine.

"Star Wars"

"Indiana Jones"

"Tiburón"

"Jurassic Park"

"Superman"

En otro estilo completamente, según el tema de la película, Williams compone la banda sonora de "La lista de Schindler":

 

Por otra parte, pasando a un estilo musical completamente diferente, en el cine musical aparece en esta década la película "Grease", que obtuvo un gran éxito. Tiene un estilo joven, con canciones pegadizas y coreografías modernas.

AÑOS 80

 

Esta época se caracteriza por la utilización de sintetizadores y nuevos medios electrónicos unidos a la influencia de nuevas corrientes musicales. Por ejemplo: Vangelis. Este compositor griego obtuvo un gran éxito con la banda sonora de la película Carros de Fuego.

Algunas de las películas a las que ha puesto música son Desaparecido, Blade Runner y Alejandro Magno, entre otras.

Os dejo algunas escenas de la película de 1982, para que escuchéis el estilo de Vangelis.

 

Y aquí, el tema final de la película.

Desde el punto de vista técnico, la llegada del sistema Dolby estéreo a la gran pantalla permitirá a los compositores explotar al máximo los contrastes de registro, dinámica, timbre y envolver al espectador en un espacio sonoro con señales independientes que se despliegan desde los diferentes focos de la sala. 
John Barry compone en 1985 la banda sonora de la película "Memorias de África".

En 1982, John Williams compone la banda sonora de la película "E.T.", de Steven Spielberg. Williams obtuvo el premio Óscar por esta música.

AÑOS 90

 

A principios de esta década se produce una recuperación de las canciones no compuestas exclusivamente para una película.
El punto de partida para algunos lo pone Prince con la película Batman (aunque algunas de las canciones sí estaban compuestas expresamente para la película)
De todas formas la música original compuesta para una película no decae; al contrario, además de los tradicionales como John Williams, Jerry Goldsmith (Instinto básico), John Barry (Bailando con lobos), James Horner (Braveheart, Titanic), otros autores fueron apareciendo.
 Aquí os dejo el tema central de la banda sonora de " Bailando con lobos", de John Barry.

James Horner ganó un oscar en el año 1997 por la banda sonora de Titanic.

 

AÑO 2000 y siguientes

Entre los grandes compositores de bandas sonoras en esta época sigue destacando John Williams. También y como autores de la música de grandes películas están Hans Zimmer (Gladiator, Piratas del Caribe), Howard Shore (El señor de los anillos).

John Williams compone en esta década la banda sonora de las películas de Harry Potter:

Os dejo aquí un interesante tutorial de Jaime Altozano sobre la banda sonora de Harry Potter, de John Williams.

LA MÚSICA DE CINE EN EUROPA

 En Europa, antes de la década de los 50 únicamente destaca Rusia, donde el cine es considerado arte nacional.
Por eso muchos compositores como Prokofiev o Shostakovich compusieron música para películas rusas.
En el resto del continente europeo encontramos a partir de la década de los 60 hasta nuestros días a grandes compositores europeos, de diferentes países, que han compuesto bandas sonoras originales para películas de gran éxito.
 
En Italia
Destaca Nino Rota como uno de los compositores más importantes. Compone, entre otras, las bandas sonoras de El padrino, Romeo y Julieta, La dolce vita y Amarcord.
Pero será el compositor citado anteriormente, Ennio Morricone, el autor más importante que ha dado Italia. Ha realizado bandas sonoras como la de la película Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio, El bueno, el feo y el malo.
De entre las composiciones de Morricone destaca la banda sonora de la película La Misión ( 1986).

EL CINE MUSICAL

 

  El musical, o teatro musical, es un género nacido en Estados Unidos hacia la primera mitad del siglo XX y desarrollado sobre todo en los teatros de Broadway en Nueva York.
Básicamente se trata de una producción teatral en la que se combinan canciones interpretadas por coros con acompañamientos instrumentales y en las que aparecen, en ocasiones, danzas y bailes, en un principio bajo un argumento dramático.

Cuando surgió el cine, éste integró las características del musical y aparecieron películas musicales que integraban baile, canciones y música.

 

Historia del cine musical


En 1928, reinaba el caos en Hollywood. La mayoría de los grandes estudios se habían visto sorprendidos por la abrumadora demanda de películas sonoras, tras la aparición de "El cantor de jazz". De repente, las películas mudas aclamadas por la crítica se proyectaban en cines casi vacíos, mientras que el nuevo cine musical atraía a gran parte de la población.


Mientras los cines se apresuraban a instalar equipos de sonido, los estudios se apresuraron a construir instalaciones insonorizadas e idear proyectos de sonido. Y todos los grandes estudios contrataron compositores de Broadway para escribir nuevos musicales en pantalla.

El sonido suplantó por completo al cine mudo en 1929. A medida que el medio visual dio paso a uno audiovisual, la profesionalidad cinematográfica dio paso a un espíritu de improvisación desesperada. La nueva tecnología tenía serios inconvenientes, como que las cámaras y sus motores tenían que ser silenciados en cabinas inmóviles, dando a las películas sonoras una apariencia estática. En 1929, la Metro Goldwyn Mayer Studios, se había puesto al día y su película La melodía de Broadway (1929) ganó el primer Oscar otorgado a una película musical.


En la década siguiente, los estudios produjeron una gran cantidad de musicales, debido a su flagrante éxito en taquilla. Tras el desplome de Wall Street de 1929, muchos teatros de Nueva York cerraron. Las estrellas del escenario neoyorkino, incluidos Fred Astaire, Fanny Brice, Eddie Cantor, Maurice Chevalier o Marilyn Miller, fueron a Hollywood en busca de nuevas oportunidades de trabajo. Los contratos lucrativos también tentaron a los compositores y directores de Broadway para marchar de La Gran Manzana a Los Ángeles.

Para Hollywood, sin embargo, todo era nuevo. No existía una fórmula probada para el éxito ni métodos establecidos para la realización de películas musicales. No había ingenieros de sonido ni directores de fotografía que fueran expertos en cámaras de sonido. Además de traer obstáculos, esto también ofreció una increíble oportunidad creativa para las personas que se trasladaron al otro lado país.

Década de los 30

En los años treinta, hubo un enfoque de los musicales primordialmente en la danza. Busby Berkeley, nacido en Los Ángeles, quien coreografió y dirigió 19 películas musicales en los años 30, creó la toma caleidoscópica de bailarines a vista de pájaro. El uso de cámaras de movimiento por parte de Berkeley, en películas como La calle 42 (1933), convirtió al público en casi parte de la coreografía.

Fue pionero en la utilización de grúas para ofrecer planos picados, filmando desde trincheras debajo del escenario o colocando cámaras en pistas especiales para capturar todo tipo de tomas. El único rival de las películas de Warner Bros de Berkeley en los años 30 fue el ciclo de películas de la RKO con Fred Astaire y Ginger Rogers, como parejas inseparables. La química de los intérpretes principales suele ser la clave del éxito de un musical, de esta etapa tenemos que destacar su inolvidable Sombrero de copa (1935). 

 

Fred Astaire y Ginger Rogers en "Sombrero de copa"

 

A finales de la década llegó uno de los musicales más queridos de la historia del cine: El mago de Oz (1939), protagonizado por la gran Judy Garland. La por aquel entonces adolescente Judy Garland,  hizo de una Dorothy fascinante en una cálida fantasía que afirma el valor del hogar. La película tiene un encanto inocente y también una de las canciones más atemporales de los musicales como lo fue «Somewhere Over The Rainbow«; con música de Harold Arlen y letra de Yip Harburg.

 

 

Década de los 40 y 50 

En la década de los 40, tuvo lugar la aparición de un bailarín, coreógrafo, productor y sobre todo actor, que cambió el género. Se trata de Gene Kelly. Él junto con Stanley Donen revolucionaron la forma de hacer musicales hasta entonces, grabando fuera de los estudios y haciendo evolucionar al musical. De su asociación tenemos, por ejemplo, Un día en Nueva York (1949). De la mano de Stanley Donen tenemos también la obra maestra de MGM fue Cantando bajo la lluvia (1952), considerada como una de las películas musicales más grandes de todos los tiempos. 

 

 

Mientras que Astaire destacaba por la sofisticación de su estilo, Kelly destacaba por su carisma innato. Su baile en solitario con paraguas y pisoteando charcos al ritmo de la canción principal de la película, es uno de los momentos más impresionantes de la historia del cine. 

El cine musical durante la década de los 50 siguió teniendo una presencia enorme en Hollywood, viendo cómo cada vez más estrellas de la industria se decidían a participar en uno. Por ejemplo, la eterna Marilyn Monroe en Los caballeros las prefieren rubias (1953). 

 

Los años 50 también contaron con algunos de los musicales más recordados del cine; especialmente Oklahoma! (1955). También se hicieron otros míticos musicales como Carousel (1956), El rey y yo (1956) o Al sur del Pacífico (1958).

Década de los 60

La senda del cine musical de Hollywood siguió en su plenitud hasta principios de los años 60, cuando la versión cinematográfica de West Side Story (1961) tuvo éxito en la gran pantalla; gran parte de su éxito residía en la decisión de mantener intacta la música de Leonard Bernstein y las letras de Stephen Sondheim, originarias de la producción que se había llevado en Broadway anteriormente. 

 

 

 

Sin embargo, la era del cine musical estaba llegando a su ocaso cinematográfico. Poco a poco, el público empezó a cansarse de tanto musical en pantalla, por lo que querían cosas nuevas por parte de Hollywood.

Pese a ello, hubo otros musicales que triunfaron. Pongamos por ejemplo el caso de Sonrisas y lágrimas (1965), que ganó cinco Premios Óscar, incluyendo el de Mejor Película.  Otros musicales que pegaron fuerte fueron los de Oliver (1968) o Funny Girl (1968); ambos musicales fueron adaptaciones de obras producidas en Broadway.

 

 

Las tres décadas siguientes

En las tres décadas restantes del siglo XX (70, 80, 90), el cine musical empezó a decaer considerablemente, haciendo que sus producciones se vieran reducidas drásticamente.

Pese a ello, se siguió haciendo varios musicales por parte de Hollywood, aunque no era ni la ínfima parte de lo que llegó a ser en las décadas pasadas. De hecho, hay varios musicales de la década de los setenta que hicieron pensar que podría salvarse el género y retomar la senda perdida. Películas como Cabaret (1972) o All that Jazz (1979), ambas protagonizadas por la gran Liza Minnelli, tuvieron un éxito significativo en taquilla. 

 

Años más tarde llegaría uno de los clásicos más populares del género, de la mano de John Travolta y Olivia Newton John. El fenómeno de Grease (1978) sigue estando vigente a día de hoy con la infinidad de musicales que se han hecho de esa película. 

 

 

 

En los ochenta y noventa, se apostó por el género musical dentro de la animación de Disney; algo que encajaba con el público al que iba dirigido y que le brindaba de mayor accesibilidad por lo pegadizas que podían llegar a ser las canciones.  

Películas que de alguna forma, revitalizaron el género encuadrándolo en un formato distinto del que se venía haciendo. En realidad, muchas de las películas más recordadas de Disney, fueron aquellas realizadas durante estas dos décadas. Podríamos estar hablando horas y horas de cada una de ellas, pero podríamos destacar La sirenita (1989), El rey león (1994) o El jorobado de Notre Dame (1996).

 

Resurgir en el nuevo siglo

Con la entrada al siglo XXI, Hollywood volvió a sus raíces en cuanto al género musical se refería. El cine musical volvía a contar con una frescura en pantalla, tal y como lo pudo tener en su momento más esplendoroso. Muchas de las películas de principios de los 2000, fueron absolutos taquillazos, que a su vez estuvieron peleando e incluso ganando estatuillas en la ceremonia de los Oscars. Moulin Rouge (2001) fue un absoluto éxito en taquilla, que devolvía ese aire nostálgico y romántico al musical. 

 

 En lo que refiere a Disney, siguió con su producción musical enfocado a un público joven y también juvenil con el lanzamiento de las películas de High School Musical. La franquicia buscaba abarcar más edades con decisiones como las de esta saga. 

En la animación, Disney siguió cosechando éxitos con sus musicales, con películas como Tiana y el sapo (2010), Enredados (2010) o con la grandiosa Frozen (2013).

 

 

 

 

En Hollywood también se ha querido traer de vuelta el cine musical, y en los últimos años ha habido grandes éxitos.  Mamma mia! (2008), Los miserables (2012) o La La Land (2016) fueron aclamadas tanto por el público como por la crítica especializada.

 

 

Referencias: https://historiadelcine.es/generos-cinematograficos/el-cine-musical-historia-caracteristicas/