2º ESO UNIDAD 3: LA MÚSICA EN EL BARROCO

LA MÚSICA EN EL BARROCO

 

La música barroca abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750 (todo el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII). 

Es uno de los períodos más importantes de la Historia de la Música por el enorme espíritu de creación que hay en él. Surgen músicos de primerísima línea entre los que destacan: Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean Philippe Rameau y Henry Purcell.

 Vamos a empezar con un tutorial para introducir el tema. Espero que os guste.

 

La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al servicio de mecenas pertenecientes a la alta aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes alemanes, cardenales, arzobispos o instituciones religiosas (como catedrales o conventos). Solían completar sus ingresos con la edición y venta de sus propias obras impresas. En todos los casos eran intérpretes que tocaban y dirigían sus propias obras, compuestas en general para las funciones indicadas por su patrón: liturgia, música de cámara, música ceremonial, etc.

Las principales características de la música de la época barroca son:

- La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violoncello, viola de gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave).

- El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo, muy uniforme, incluso mecánico.

- Se busca un ritmo muy marcado, que se llama ritmo mecánico, por sus pulsaciones fuertes y normalmente repetidas. 

- En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.

- La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.

- El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta)

- El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en la ya escritas, en forma de ornamentación.

- Se desarrollan mucho los instrumentos, especialmente los de la familia de la cuerda frotada. Los más importantes son: Clave, órgano, violín, viola, viola da gamba, laúd, fagot, violonchelo, flauta y oboe.

MÚSICA VOCAL

1. Música vocal profana

El género vocal más importante en este periodo es la ópera.

La Ópera barroca es una forma musical profana, de carácter narrativo, con representación escénica. Para su representación necesita escenario, orquesta, coro y solistas. Consta además de una obertura (que es la parte instrumental que sirve de introducción). 

 

Las partes principales de la ópera son cuatro:

- Obertura. Como hemos dicho, fragmento instrumental que se interpreta antes de que comience la acción, y sirve de introducción a la ópera.

- Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en un canto silábico (a medio camino entre hablar y cantar), con un acompañamiento musical muy leve, interpretado por el bajo continuo.

- Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son fragmentos de solo muy elaborados, a menudo virtuosos,  para lucimiento del cantante.

- Coros, fragmentos en los que varios personajes cantan juntos en el escenario.

La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época en toda Europa: además de en toda Italia, se representaron regularmente en lugares como Viena, Londres y París. Solían ser cantadas en italiano, y la temática era casi siempre mitológica (los personajes eran dioses o semidioses), a imitación de la Antigua Grecia.

2. Música vocal religiosa.

En este periodo destacaron el oratorio y la cantata.

- El oratorio es una composición similar a la ópera, pero con dos diferencias: la temática es religiosa (normalmente fragmentos de la Biblia) y no hay representación escénica sobre un escenario, sino que se canta a modo de concierto.

- La cantata es una obra que se interpretaba dentro de las ceremonias religiosas, y que intercalaba fragmentos instrumentales, arias y coros.

Aquí os dejo un vídeo con la interpretación de una cantata de J. S. Bach. Espero que os guste.

MÚSICA INSTRUMENTAL

El auge de la música instrumental

Durante el periodo barroco, la música instrumental llegó a ser tan importante como la música vocal por primera vez en la historia. Se desarrollaron nuevos instrumentos y se perfeccionaron antiguos. Los compositores eran grandes virtuosos: Bach y Haendel al órgano, Corelli y Vivaldi al violín, Scarlatti y Couperin al clave… Todos ellos elevaron la técnica de ejecución instrumental e hicieron perfeccionar la fabricación de instrumentos musicales.

En general a la hora de componer seguían pensando en la melodía más que en el instrumento que la interpretara, lo cual significaba que la misma línea de música podía tocarse en un instrumento de cuerdas o de viento-madera o de metal. Pero según avanzaba el periodo, los compositores del Barroco tardío comenzaron a escoger instrumentos específicos según su timbre, es decir, indicaban en la partitura qué instrumento tenía que interpretar cada parte. Así fue surgiendo la orquesta. 

 

Orquesta

Durante el periodo Barroco la orquesta comenzó a adquirir forma como agrupación instrumental fija. 

Características de la orquesta barroca: 

- Una base firme de cuerdas, a las que los compositores añadían otros instrumentos según cada ocasión: una o dos flautas, oboes, fagotes, trompas y, ocasionalmente, trompetas y timbales;

- el sonido del bajo continuo interpretado por dos instrumentos, un instrumento grave (violonchelo o fagot) y un clave con el que el instrumentista hacía los acordes;

- efectos de contraste, especialmente de dinámicas y timbres. 

Los instrumentos barrocos

Durante el siglo XVII se produjo una mejora espectacular en la construcción de instrumentos de cuerda. Algunos de los mejores violines jamás construidos procedían de los talleres de luthiers como Stradivarius, Guarnieri y Amati. Hoy en día los mejores de ellos cuestan sumas inimaginables.

Las cuerdas de los instrumentos barrocos estaban hechas de tripa, no del acero empleado en la actualidad. La tripa procedente de los intestinos animales producía un sonido más suave pero más penetrante. En general, los instrumentos de cuerda del Barroco (violin, viola, violonchelo) son como los modernos salgo por algunos detalles de construcción.

En el Barroco tardío los compositores emplearon cada vez más los instrumentos de viento-madera para añadir color con diferentes timbres.

En los últimos años, un nuevo interés por la autenticidad nos ha familiarizado con los sonidos de los instrumentos del siglo XVIII. Se están volviendo a tocar flautas de pico y traveseras fabricadas de madera, violines restaurados con cuerdas de tripa e instrumentos de metal sin válvulas, de manera que la orquesta barroca no solamente ha recuperado su escala más reducida (alrededor de 24 músicos), sino también su sonoridad transparente.

Además, han surgido numerosos grupos de intérpretes especializados en música antigua, que trata de acercarnos al verdadero sonido de la época utilizando estos instrumentos originales.

Vamos a escuchar una pieza para orquesta de J.S.Bach. Se trata del Concierto de Brandenburgo nº 2 en Fa M. Aquí podemos ver y escuchar instrumentos barrocos, y la disposición de la orquesta en esa época.

En el Barroco se crearon nuevos géneros puramente instrumentales, como la sonata, el concierto y la suite.

- El concierto.

Hay dos tipos de conciertos en el Barroco:

Concierto grosso: se establece una especie de diálogo entre un grupo de instrumentos de la orquesta, llamado "concertino" y el resto, llamado "tutti". Esta forma solo se utilizó en el Barroco. Los principales compositores que destacaron con este tipo de composiciones fueron Corelli y Haendel.

Concierto para solista: en este caso, el diálogo se establece entre un instrumento solista (a veces, dos) y el resto de la orquesta. Destacaron compositores como Vivaldi, Torelli y Bach. Este tipo de concierto ha seguido utilizándose hasta nuestros días. 

- La suite. Consiste en una sucesión de danzas, de carácter contrastante (rápida-lenta; binaria-ternaria)

Vamos a escuchar un fragmento de un concerto grosso. Es uno de los principales compositores barrocos: G.F.Haendel. Se trata del Allegro de su Concerto grosso en Sol M Op. 6 nº 5. Podemos reconocer aquí el estilo de la música instrumental barroca, y escuchar y ver instrumentos originales barrocos.

 

 COMPOSITORES BARROCOS

Ya hemos comentado que fueron muchos los compositores destacados en este periodo. Vamos a aprender algo más de algunos de ellos.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en Eisenach (Alemania) en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes.

Su padre era trompetista de la corte de Eisenach y director de los músicos de dicha ciudad, por lo que la música rodeó a J.S. Bach desde el principio de sus días. A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.

En Weimar fue nombrado organista, y Bach centró su labor sobre todo en la composición de piezas para órgano: corales, preludios, tocatas y fugas, además de cantatas. 

En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar porque fue nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen Este fue uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo. 

 Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, cargo éste que comportaba también la dirección de los actos musicales que se celebraban en la ciudad. A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad. En los últimos años de su existencia su producción musical descendió considerablemente debido a unas cataratas que lo dejaron prácticamente ciego. 

La música de Bach influyó en muchos compositores posteriores.

Georg Friedrich Haendel (1685-1759)

Haendel fue un músico prolífico, y su producción abarca todos los géneros de su época, con especial predilección por la ópera y el oratorio, a los que, con su aportación, contribuyó a llevar a una etapa de gran esplendor.

Su padre quería que fuese abogado, pero él quería ser músico. empezó sus estudios musicales y en 1702 fue nombrado organista de la catedral de su localidad y, un año más tarde, violinista de la Ópera de la corte de Hamburgo.

Allí estrenó en 1705 su primera ópera, Almira, que fue bien acogida por el público. Un año más tarde el músico emprendió un viaje a Italia que había de tener especial importancia, ya que le dio la oportunidad de familiarizarse con el estilo italiano e introducir algunas de sus características en su propio estilo.

En 1710, de regreso en Alemania, Georg Friedrich Haendel fue nombrado maestro de capilla de la corte del Elector de Hannover, puesto que abandonó al final de ese mismo año para trasladarse a Inglaterra, donde pronto se dio a conocer como autor de óperas italianas. El extraordinario triunfo de la ópera Rinaldo, le decidió a afincarse en Londres a partir de 1712.

Dos años más tarde, su antiguo patrón, el Elector de Hannover, fue coronado rey de Inglaterra con el nombre de Jorge I, y el compositor reanudó su relación con él, interrumpida tras su traslado a Inglaterra. Fueron años éstos de gran prosperidad para Haendel: sus óperas triunfaron en los escenarios londinenses y adquirió una gran fama.

Sin embargo, a partir de la década de 1730, la situación cambió de modo radical: a raíz de las intrigas políticas, las disputas con los divos, la bancarrota de su compañía teatral y la aparición de otras compañías nuevas, parte del público que hasta entonces lo había aplaudido le volvió la espalda.

A partir de ese momento, Haendel volcó la mayor parte de su esfuerzo creativo en la composición de oratorios: en 1741 compuso El Mesías, la obra que más fama le ha reportado.

Los oratorios, con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés -entre los que cabe citar Israel en Egipto, Sansón y Judas Maccabeus- constituyen la parte más original de toda su producción.

También destacó en la música instrumental, como sus series de Concerti grossi y conciertos para órgano. 

Los últimos años de vida del compositor estuvieron marcados por la ceguera originada a consecuencia de una fallida operación de cataratas. Sus restos reposan en la abadía de Westminster junto a otras grandes personalidades británicas.

Aquí tenéis un vídeo de una de las obras más conocidas de Haendel: "Música para los reales fuegos artificiales". Como podéis imaginar, es una obra que le encargaron al compositor para celebrar un acontecimiento importante en la corte, una victoria de las tropas que se festejaba por todo lo alto, incluyendo una exhibición de fuegos artificiales. Haendel compuso una obra potente, grandiosa, pensada para interpretarse al aire libre. Escuchad con atención e imaginad que estáis en los jardines de un lujoso palacio barroco rodeados de elegantes cortesanos. ¡A disfrutar!

Antonio Vivaldi (1678-1741)

La inmensa producción de Vivaldi abarca tanto los conciertos como también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, Vivaldi es uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana.

Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, Antonio se inició en el mundo de la música de la mano de su padre. Fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial.

También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución dedicada a la formación musical de muchachas huérfanas. Trabajó allí durante largos años, y muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. Aquí compuso sus primeras obras, colecciones de conciertos y sonatas de cámara.

Con estas colecciones, Antonio Vivaldi alcanzó en poco tiempo renombre en todo el territorio italiano, desde donde se extendió al resto de Europa, y no sólo como compositor, sino también como violinista, pues fue uno de los más grandes de su tiempo.

La fama del músico alcanzó la cúspide a mitad de su vida con la publicación de sus más importantes colecciones instrumentales. La primera colección contenía un total de doce conciertos y se iniciaba con el conjunto de cuatro conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones, los mejores de la colección y los más célebres de su obra.

En Las cuatro estaciones, Vivaldi muestra su habilidad para crear climas sonoros. La obra describe el ciclo anual de la naturaleza, de los hombres que la trabajan y de los animales que la habitan. Cada uno de los cuatro conciertos desarrolla musicalmente el soneto de autor desconocido que lo precede, en cuyos versos se dibuja un cuadrito de la estación. Así, La primavera, siguiendo lo representado en el soneto, imita el canto de los pájaros y el temporal; El verano describe primero el sopor de la naturaleza bajo la aridez del sol y después una tormenta, que alcanza el máximo de su violencia en la parte final. El otoño parece presidido por el dios Baco; el compositor presenta la embriaguez soporífera de un aldeano, feliz por la cosecha; en El invierno predominan las imágenes sonoras de la nieve y el hielo.

La popularidad de esta obra se remonta a la época misma de su creación. Especialmente del primero de los conciertos, La primavera, circularon enseguida en Francia copias manuscritas, arreglos e imitaciones. Pero a finales de la década de 1730 el público veneciano empezó a mostrar menor interés por su música, por lo que Vivaldi decidió en 1741 probar fortuna en Viena, donde murió en la más absoluta pobreza un mes después de su llegada.

Caído en el olvido tras su muerte, el redescubrimiento de Vivaldi tuvo lugar merced a la música de Bach, quien había transcrito doce conciertos de Vivaldi a diferentes instrumentos. El interés por el músico alemán fue precisamente el que abrió el camino hacia el conocimiento del artista, y hoy en día es uno de los compositores más interpretados y escuchados. 

Esta obra que os incluyo aquí es la más popular de Vivaldi, y seguro que la conocéis. Se trata de "Las cuatro estaciones", una serie de conciertos para violín y orquesta que tratan de representar las sensaciones que rodean a las diferentes estaciones del año. Como hemos dicho, cada concierto consta de tres partes. En este caso, os dejo aquí la tercera parte de "El verano". Tiene una gran fuerza, y es que representa una impetuosa tormenta de verano. Espero que os guste.

LENGUAJE MUSICAL

 

Después de hablar sobre la Historia de la Música y sus compositores, pasamos al apartado de Lenguaje Musical. En este tema vamos a hablar sobre las escalas.

LA ESCALA

 

Una escala es una sucesión de sonidos ordenados de grave a agudo o viceversa. Es el conjunto de notas que utiliza el compositor para crear su obra. Con esas notas va construyendo las diferentes melodías y armonías.

ESCALAS ANTIGUAS

En  épocas antiguas se utilizaban escalas llamadas modos o escalas antiguas, como puedes ver aquí:

¿Qué hace que cada escala suene diferente? Si comparamos las escalas anteriores, vemos que la distancia de semitono (entre mi y fa y entre si y do) está en posiciones distintas. La diferencia de sonido entre las diferentes escalas depende de la distribución de sus tonos y semitonos, que hace que produzca un efecto sonoro distinto.

ESCALAS MAYORES Y MENORES

La escala que nosotros solemos utilizar es la llamada ESCALA DIATÓNICA, que está formada por ocho notas: siete diferentes, ordenadas de grave a agudo o viceversa, y la octava, que es la repetición de la primera.

La escala toma el nombre de la nota por la que empieza y acaba:

·        

Las escalas pueden ser Mayores y menores. La diferencia entre ellas es el orden en el que  aparecen los tonos y los semitonos. Recuerda que los semitonos se encuentran entre las notas MI y FA y Si y DO.

 

Cada escala aporta a la música un carácter diferente: las escalas mayores nos dan sensación de alegría al escucharlas, mientras que las menores nos resultan más tristes o melancólicas. Esta circunstancia la tienen en cuenta los compositores a la hora de elegir la escala para crear su obra.

 

Podemos formar acordes sobre cada una de las notas de la escala:

ESCALAS DE OTRAS CULTURAS

El hecho de que la música de otras culturas diferentes a la nuestra suene tan distinta se debe, en gran medida, a que utilizan escalas diferentes. Por ejemplo, en las culturas orientales, como China o Japón, se utiliza la escala pentatónica:

ESCALA PENTATÓNICA:  La escala pentatónica es una escala especial: está formada por cinco sonidos (en lugar de los siete de la diatónica) Se caracteriza por no tener distancias de semitono.

Os propongo que veáis ahora un vídeo tutorial de Jaime Altozano sobre las escalas. Es muy interesante, espero que os guste.

 MÚSICA MODERNA: EL SOUL

El soul es un género que tuvo sus orígenes en los Estados Unidos y cuya influencia ha repercutido de enorme manera en corrientes como el rock y el pop. Sus orígenes se encuentran en las melodías de rythm and blues cantadas por las comunidades afroamericanas y los sonidos religiosos del gospel. La fusión de ambos dio paso a una amplia variedad musical, que pronto fue una de la base para varios movimientos importantes en el ámbito, como el rock n’ roll.

Características del soul

El soul se distingue por una técnica vocal que suele ser bastante profunda y elaborada; no en vano, los mejores cantantes del género se han caracterizado por tener voces suaves y llenas de matices. También cuenta con un esquema que sigue el circuito llamada respuesta, entre el intérprete de una canción y el coro que lo acompaña, cuando el mismo canta una palabra o frase en específico y ellos le contestan en el estribillo. Marcar el ritmo con las palmas de las manos y utilizar movimientos corporales para acompañar cada composición, es algo muy común dentro de este estilo, que llena de alegría y energía a sus simpatizantes.

Orígenes A finales de la década de los 50, el paradigma general en el mundo era de una marcada miseria tras los estragos de la Segunda Guerra Mundial. Estados Unidos, pese a festejar su victoria y el fin del conflicto, se hallaba dañado tras su participación, y seguía sufriendo una importante confrontación entre la población negra y la blanca. La primera comunidad comenzaba a exigir derechos ante la represión de los blancos, cuyo rechazo se concentraba especialmente en el sur. Este escenario lleno de intolerancia y cambios importantes, fue el que vería nacer el soul de la mano de músicos de ascendencia afroamericana, como Ray Charles y James Brown. Rumbo a los años 60, el blues parecía cobrar cada vez más vida como una expresión de los barrios bajos, en donde habitaban personas de la clase trabajadora que en su mayoría, pertenecían a dicho estrato racial. 

 

Más adelante con el ruido que ocasionaron los movimientos de protesta en pro de sus derechos civiles, y la aparición de grupos musicales europeos como The Beatles, la sociedad norteamericana comenzó a mostrarse más abierta en la postura que mantenía hacia los afroamericanos. Y fue así como el rythm and blues pudo empezar a popularizarse.

Para la década de los 70, el soul se había consolidado ya como un género que contaba con gran aceptación y de él derivaron aspectos como el funk, que sirvieron para consolidar la música disco.

 

Exponentes del soul

Dentro del soul han figurado grandes músicos que a los que hasta el día de hoy, se recuerda con gran admiración.

Otis Redding:Sittin'On the dock of the bay.

 

Aretha Franklin fue una cantante afroamericana que poseía una gran voz y sentimiento a la hora de efectuar sus interpretaciones. Son muchas las canciones que componen su repertorio, y una de las más famosas es «Respect», de la que se han hecho numerosos covers.

Luther Vandross: Love the one you are with.