LAS ARTES ESCÉNICAS
Características de las artes escénicas
¿Cuál es la función de las artes escénicas?
A lo largo de la historia, y en todas las sociedades, las artes escénicas han tenido un rol decisivo como medio de expresión para transmitir valores y obras culturales de una generación a otra. Estas disciplinas escénicas constituyen un vehículo de transmisión cultural que posibilita la representación y comunicación de una gran variedad de disciplinas a nivel global. Por eso es importante promover las artes escénicas desde una edad temprana, ya que contribuyen al desarrollo de habilidades tan significativas como la expresión, la autoconfianza y la comunicación. Además, y lo que es más importante, estas disciplinas constituyen un vehículo para transmitir valores de gran trascendencia para la vida en sociedad, como la colaboración en equipo, el compromiso y la persistencia.
Tipos de artes escénicas
Podemos categorizar los tipos de artes escénicas en varios tipos:
Teatro
Ópera
La ópera puede definirse como una obra teatral en la que los actores cantan en lugar de hablar. Escenifican una historia cantando, acompañados por una orquesta que interpreta música en directo. En ocasiones, un cuerpo de baile interpreta números de danza.
La ópera se representa en grandes teatros, adecuados para una puesta en escena compleja, en la que intervienen muchos intérpretes y para la que se requieren muchos medios: orquesta, escenario, decorados, vestuario, puesta en escena, etc.
El texto de la ópera se llama libreto, y se estructura en diferentes actos, como las obras de teatro. En ellos aparecen tanto fragmentos vocales acompañados de la orquesta como otros exclusivamente instrumentales.
Las partes principales de la ópera son las siguientes:
* Obertura: es un fragmento instrumental que sirve de introducción a la ópera. Suele interpretarse con el telón bajado, antes de que comience la acción.
* Aria: Es un fragmento de solo, en el que uno de los cantantes protagonistas canta solo, acompañado de la orquesta, para poder lucir su voz. Las arias son las partes más bellas y espectaculares de las óperas, y en ocasiones son tan bonitas, que se interpretan después en forma de concierto, fuera de la ópera de la que forman parte.
Aria de la ópera "Gianni Schicchi", de Puccini.
* Recitativo: Es un fragmento que sirve para que avance la acción, y está a medio camino entre hablar y cantar. Es algo así como "cantar entonando".
Recitativo de "Las bodas de Fígaro", de Mozart.
* Coro: Es un fragmento en el que un gran número de los personajes cantan juntos en algún momento de la ópera.
Breve historia de la ópera
El origen de la ópera tiene lugar en Florencia, donde se reunían un círculo de artistas y profesores llamados la Camerata Florentina, todos en torno al conde Giovanni Bardi, entre las décadas de 1570 y 1580. Este grupo trataba de dar vida nuevamente al olvidado arte dramático de la antigua Grecia, la “Tragedia Griega.” Entre ellos se encontraba Vicencio Galilei (compositor y teórico, padre del astrónomo Galileo Galilei) y Giovanni Caccini, cantante y compositor. Las investigaciones de la camerata influyeron en la estética de la ópera que vendría posteriormente.
Otro grupo que se empezó a reunir alrededor de 1590 en el palacio del comerciante Conde Jacopo Corsi fue el formado por el poeta Otavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri, que hicieron un drama pastoril de Giovanni Batista Guarini llamado Il pastor Fido (El Pastor Fiel). Esto demuestra que, a pesar del gran interés por revivir el drama y música antigua de los griegos, las primeras óperas fueron pastoriles, y no tragedias.
La unión de Jacopo Corsi, Otavio Rinuccini y Jacopo Peri, generó la representación de Dafne, generalmente considerada la primera ópera.
Este primer trabajo se perdió (sólo quedó el texto) y trataba del mito griego de la naturaleza que habla de la bella ninfa Dafne, tal como lo relata Ovidio en la Metamorfosis. El dios sol Apolo persigue a Dafne y la convierte en árbol. Este mundo mágico de dioses y semidioses de Ovidio siguió siendo un tema importante durante la temprana historia de la ópera.
Otro trabajo de Rinuccini-Peri fue un drama titulado Euridice, (Florencia, 1600) para celebrar el casamiento de Enrique IV de Francia y María de Medici. Euridice es una ópera basada en el mito de Orfeo, el cantor y tañedor de la lira. Eurídice, la esposa de Orfeo, muere por la mordedura de una serpiente y Orfeo desciende al Hades para rogar por la vida de su esposa. Los seres demoníacos se compadecen de su canto expresivo y le permiten regresar al mundo con Eurídice. Orfeo y Apolo, el dios sol y de la música van a ser personajes importantes en las primeras óperas.
A partir de principios del siglo XVII, la estructura continuó evolucionando gracias al compositor Claudio Monteverdi. Toda la obra de este genial compositor tiene la convicción de que la música debe conmover al hombre, expresando sus más profundos sentimientos. En sus últimos trabajos exploró la expresión de la emoción humana, otorgando a sus personajes vida y profundidad. Monteverdi hizo representar Orfeo el 24 de febrero de 1607, escrito para las bodas del príncipe de Gonzaga con Margarita Saboya. L’orfeo, favola in musica, fue la primera ópera en alcanzar un lugar importante y estable en el repertorio operístico. La acción la representan Orfeo y Eurídice, recién casados junto a ninfas y pastores. Cuando muere Eurídice, Orfeo va al mundo inferior para salvarla. A causa de su amor, infringe la orden de no volver su rostro y mirar a Eurídice en el camino de retorno. Su esposa es condenada al Hades de nuevo. Apolo conduce a Orfeo al paraíso, donde se reunirá para siempre con su amada.
Las óperas primitivas tendían a sustituir los finales trágicos por finales felices.
Nacen a partir de este momento reglas en la estructura dramática: el lieto fine (final feliz) alternancia de escenarios (idilio, mundo inferior, paraíso), la combinación de recitativos y números independientes, coros, danzas, airosos, ritornellos y canciones a varias voces. La orquesta toma mayor importancia, utilizando instrumentos simbólicos para cada escena.
La siguiente ópera fue basada en la leyenda griega de Ariadna, lamentablemente se perdió la partitura y queda sólo de ella el famoso L’amento de Arianna (1608), una efusión enormemente expresiva cantada por Ariadna tras ser abandonada por su amante Teseo en la isla de Naxos.
Muchas de las obras de Monteverdi se perdieron. Algunas que sí fueron representadas en Venecia son Il ritorno d’ Ulisse in patria (1641) y L’incoronazione di Popea (1642), una de las primeras óperas históricas donde aparecen personajes cómicos; estos personajes secundarios son retratados con viveza y vigor, anticipando la ópera buffa.
En esta primera etapa, la ópera era un espectáculo reservado a la corte, un asunto de las clases nobles, pero eso fue cambiando y empezó a convertirse en un espectáculo dramático para el público en general. Benedetto Ferrari, músico y administrador, abrió el teatro de ópera San Cassiano en Venecia, para todo público y económicamente accesible. Años más tarde, Ferrari abriría otros dos teatros de ópera, convirtiéndose ésta en un pasatiempo popular.
La ópera en el Barroco
La opera Barroca se difundió por toda Europa y tuvo gran éxito.
La ópera
seria utilizaba elementos de la historia y leyendas clásicas. Casi todos
los héroes mitológicos fueros utilizados en los libretos. Existía el
“recitativo secco”, que era un canto declamado que describía los
acontecimientos del argumento, acompañado por el clavicémbalo e
instrumentos bajos.
En Alemania, el compositor más destacado anterior a Bach y Haendel fue Heinrich Schütz, poniendo en escena Dafne, en 1627. El libreto se conservó, pero la partitura se perdió, como las demás óperas de este compositor. Todas las óperas de la época se hacían por festividades de la nobleza ya sean bodas o celebraciones cortesanas, donde se exaltaban las virtudes de los emperadores, reyes o príncipes.
En Francia se fundó la “Academie Royale de Musique”, que impulsó la ópera francesa. A Jean Baptiste Lully (1632-1687) nacido en Florencia, se le otorga el mérito de haber dado forma y consistencia a la ópera francesa. Lully juntó esfuerzos con Molière al combinar comedia, música y la danza, dando origen a la tragedia lírica, obra con un gran sentimiento lírico.
Jean–Philippe Rameau (1683-1767) fue muy influenciado por Lully, tomando argumentos de la antigüedad heroica, con el ballet como pieza clave y temas exóticos, como Les Indes galantes (1735). También utilizó los “tableux” un efecto pictórico de los decorados, que cambian bruscamente en los entreactos.
Os dejo aquí un fragmento de dicha ópera de Haendel:
Georg Friedrich Haendel (1685-1759), compositor alemán, llegó a Londres en 1711 y escribió ópera tras ópera para el teatro que dirigía. Sus trabajos presentan figuras de la mitología o historia antigua, a veces con carácter oriental.
La ópera en el Rococó
Se llamó Rococó a un estilo musical que surgió aproximadamente entre 1725-1770, caracterizado por el cuidado en la elegancia y refinamiento del carácter puesto en la elección del material utilizado.
La lengua utilizada en la escena operística del rococó fue la italiana, excepto en ocasiones en París y Londres. Todos los compositores debían escribir óperas para ser más reconocidos.
Uno de los personajes más importantes de la época eran los “castrati”
“Mi querido niño (…) os diré con términos más insinuantes que debéis haceros pulir mediante una ligera operación, que os asegurará por mucho tiempo la delicadeza de vuestro cutis y la belleza de vuestra voz para toda la vida…” (Charles de Saint-Evremond, 1685.)
En el siglo XVI, la Iglesia Católica no permitía que las mujeres cantaran, y para remplazarlas se recurría la los hombres castrados o “castrati.” La tesitura de estos hombres era maravillosa, y se consideraba la voz como un don divino. Florecieron en las cortes en el siglo XVI hasta 1870, que fue prohibida la castración voluntaria por el Estado Italiano.
Las óperas eran compuestas para los castrati. Hoy en día se utilizan sopranos y contratenores para interpretar esos papeles.
El castrato más famoso fue Carlos Broschi, nacido durante el siglo XVII, llamado “Farinelli”.
Aquí os dejo una escena de la película "Farinelli", que cuenta la vida del famoso castrato italiano.
El rococó tenía formas elegantes, delicadas con un estilo “galant”(es una melodía importante con un acompañamiento no recargado, estilo que se oponía a la seriedad y al estilo elaborado del barroco) y sentimentalismo. El bajo continuo empezaba a desaparecer y los instrumentos que lo interpretaban también perdieron importancia, sólo el clave se mantenía como soporte del recitativo secco. La gente estaba cansada de tantas fugas, cánones y otros artificios del contrapunto polifónico. Los pensadores como Voltaire y Rousseau hicieron un cambio en el pensamiento del público en general. Ya no querían esas melodías llenas de coloratura y la grandeza del compositor no se mediría por las estructuras contrapuntísticas complicadas, sino por las melodías expresivas más cerca de la realidad, imitando la naturaleza. La ópera buffa empezó a tomar más importancia que la ópera seria.
La ópera en el Clasicismo
En este periodo, el compositor Gluck propició una revolución en el teatro musical inspirado en la antigüedad griega.
Al principio de su carrera compuso óperas y ballets. Los clásicos calaron en sus composiciones y éstas fueron más simples, con texto conciso y dispuesto a correr el riesgo de ser novedoso. Gluck se inspiraba en los principios de Lully y Rameau. Quería deshacerse de las arias coloratura da capo, dando lugar a un mayor dramatismo.
Gluck introdujo el uso de la batuta y cambió la historia de la ópera con sus reformas. Se le consideró el padre de la ópera nacional alemana.
Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo. Mozart puso el texto al servicio de la música, creando óperas llenas de bellas melodías y recitativos agradables. Mozart adoraba escribir ópera. Trabajaba con rapidez e intensidad, y dirigió la mayor parte de sus representaciones desde el clavicémbalo, dando énfasis en la expresión dramática.
Mozart compuso una gran cantidad de óperas, como Las bodas de Fígaro, Don Giovanni, Cosí fan tutte o La flauta mágica.
Podemos ver aquí dos fragmentos de "La flauta Mágica":
La ópera en el Romanticismo
Durante esta etapa la música va a reflejar la realidad que se vivía. En ella se pintaba los horrores de las prisiones y de como se rescataba a los prisioneros, las desdichas, confusiones, las guerras y las privaciones.
Los años entre el estallido de la Bastilla (1789) y la caída de Napoleón (1815), inmersa en guerras, hizo que el héroe y la heroína se convirtieran en los personajes predilectos, especialmente en la ópera de París. La ópera se convirtió en ópera semiseria, borrando las fronteras entre lo cómico y lo serio. Estas óperas tenían relación con el abuso de poder, con los prisioneros amenazados de muerte, demostrando que el valor ante la muerte conduce a la victoria de una causa justa.
La única
ópera de Ludwig van Beethoven (1770-1827) fue Fidelio.
París dio un cambio cuando transformo la tragédie lirique en grand ópera con obras de temas históricos con suntuoso decorado y escenografía. Rossini captó este estilo en óperas como Guillermo Tell (1829).
Gaetano Donizetti y Vicenio Bellini desarrollaron hasta la perfección el bel canto (técnica vocal que enfatiza la belleza del sonido, la expresión dramática y la emoción romántica) e iniciaron al mismo tiempo la búsqueda de una mayor sinceridad dramática.
Al llegar a Italia los temas históricos hacen su aparición y el maestro de la ópera italiana del bel canto Vicenio Bellini (1801-1835), empieza a surgir. La mujer toma un papel principal. La ópera romántica va dirigida a la audiencia burguesa, por ello los temas nuevos van a ser sobre lo infinito, las tinieblas, la media luz, los sueños, las personificaciones de las fuerzas naturales, la cósmica y la idea de que todas las cosas tienen raíces comunes.
Mención destacada merecen las óperas de Giacomo Puccini. Nacido en 1858, está considerado uno de los más grandes compositores de ópera de todos los tiempos. Sus obras más destacadas son: La bohème, Tosca, Madama Butterfly y Turandot. Estas obras contienen algunas de las arias más conocidas del mundo operístico.
Escuchemos un aria de la ópera Turandot, interpretada por uno de los grandes tenores del siglo XX: Luciano Pavarotti.
Guiseppe Verdi, nacido el 10 de octubre de 1813, utilizó temas literarios o históricos. El recitativo tenía acompañamiento orquestal, con escenas del bel canto, grandes coros, cambios constantes de escena y finales expansivos. Los héroes y heroínas eran de tesitura alta, los atormentados de tesitura media y los villanos eran contraltos o bajos. Verdi insistía en la perfecta dicción, para crear un realismo de la pronunciación y como buen italiano, la voz y la forma eran muy importantes.
Destacan sus obras Rigoletto, Aida, Il trovatore, Simon Bocanegra y La traviata.
Aquí os dejo un fragmento muy conocido de "La traviata".
Richard Wagner, nacido en Leipzig en mayo de 1813, fue un artista político, agitador, con la idea de cambiar el mundo y no solo distraerlo. Creó la llamada Obra de Arte Total, combinando todas las artes en un solo espectáculo. Sus óperas necesitaban unos escenarios tan grandes, que no solía poder representarlas en los teatros de la época. El rey Luis II de Baviera, gran admirador de la obra de Wagner, mandó construir un teatro en Bayreuth para que pudiera representar sus obras sin problemas.
Wagner compuso una tetralogía, una fiesta escénica con una velada preliminar
y tres veladas principales: Der Ring des Nibelungen, (El anillo del Nibelungo). Es una
recreación de una tragedia griega basadas en sagas germánicas y un mito de
versos con sonidos repetitivos. Wagner quería que su obra se representara como
un ciclo, y así sucedió por primera vez en el Teatro del Festival
expresamente construido en Bayreuth.
La ópera Parsifal
(Bayreuth, 1882) fue para Wagner la última y más sagrada de sus
obras.Trata de un
héroe del poema medieval de Wolfran von Eschenbach, redentor de los
caballeros del Santo Grial (vasija en que fue recogida la sangre de Cristo
en el Gólgota).Todo en
Wagner era un simbolismo permanente, desde los pasajes orquestales, el
misticismo que envuelve la acción estática, hasta los acontecimientos del
escenario que simbolizan la vida interna de los personajes.
Referencias: https://www.filomusica.com/opera.html
Danza
La danza es una forma artística que implica la movilidad del cuerpo siguiendo el compás de la música. La danza es una de las expresiones más ancestrales de la humanidad. En la antigüedad, solía estar integrada en festividades y ceremonias. En épocas posteriores, como ocurrió en el Renacimiento, la danza cortesana era una señal de distinción social. Las personas de clase alta aprendían a bailar estas danzas, que después utilizaban en los palacios como entretenimiento.
Aquí os dejo, como muestra, una Pavana renacentista. La pavana se llamaba así porque era lenta y elegante, como el movimiento del pavo real cuando muestra su cola desplegada.
Pero si os referimos a la danza como arte escénica, tenemos que hablar del ballet.
El ballet
El ballet es un espectáculo que combina un argumento dramático con música, danza y escenografía. Su origen se remonta al Renacimiento, en el siglo XVI, a las fiestas palaciegas en las que los propios cortesanos, vestidos con trajes lujosos y máscaras, interpretaban una historia en forma de baile con un elaborada escenografía.
Durante este período, la danza se convirtió en un medio de expresión para la nobleza, y las primeras representaciones de ballet se llevaron a cabo en festivales y celebraciones. Las «balli» eran danzas cortas que combinaban música y movimiento, sentando las bases para lo que más tarde se conocería como ballet.
La historia del ballet en Italia se remonta al siglo XV, cuando en las cortes florentinas se comenzó a experimentar con una forma de entretenimiento que combinaba la música con la narración de historias por parte de caravanas de artistas que recorrían los reinos del territorio itálico entreteniendo a ricos y pobres. En este periodo, los Medici, como mecenas del arte en Florencia, empezaron a patrocinar espectáculos y eventos que incorporarían estas primeras formas de ballet a manera de patronazgo cultural y político en la ciudad que más tarde llegarían a gobernar por alrededor de 400 años.
Aquí os dejo un vídeo que cuenta el origen del ballet.
El Ballet en la Corte de Francia
La historia del ballet tomó un giro significativo en Francia, donde el rey Luis XIV, conocido como el «Rey Sol», se convirtió en un gran defensor de esta forma de arte. En 1661 estableció la Academia Real de Danza, lo que marcó el inicio de la profesionalización del ballet. Luis XIV no solo participó como bailarín, sino que también impulsó la creación de coreografías y obras que se convertirían en clásicos. Esta era fue crucial para el desarrollo del vocabulario y la técnica del ballet, así como para la formalización de sus reglas y estilos.
La Influencia de la Compañía de Ballet
La creación de compañías de ballet fue otro hito en su historia. La primera de ellas, la «Compañía de Ballet de la Ópera de París», se fundó en 1669 y se convirtió en un referente mundial. Esta compañía no solo presentó obras en el escenario, sino que también promovió la formación de bailarines y coreógrafos, estableciendo un sistema de enseñanza que perdura hasta hoy. A través de estas compañías, el ballet comenzó a expandirse más allá de las cortes, llegando a un público más amplio.
La Evolución del Ballet Clásico
A medida que el ballet se fue consolidando como forma de arte, comenzó a diversificarse en estilos y técnicas. El ballet clásico, tal como lo conocemos hoy, se desarrolló principalmente en el siglo XIX. Este período fue testigo de la creación de obras maestras que se han convertido en pilares del repertorio actual.
El Romanticismo, que floreció en la primera mitad del siglo XIX, trajo consigo una nueva sensibilidad artística. Las historias de amor, fantasía y tragedia dominaron las tramas de las obras, y los bailarines comenzaron a expresar emociones más profundas a través de sus movimientos. El uso de tutús y zapatillas de punta también se popularizó en esta época, permitiendo a las bailarinas una mayor libertad de movimiento y un efecto visual más etéreo.
Grandes obras del Ballet Clásico
Durante el siglo XIX se crearon algunas de las obras más emblemáticas del ballet, como «El Lago de los Cisnes», «La Bella Durmiente» y "El cascanueces", del compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky, y «Coppélia», de Léo Delibes. Estas piezas no solo destacan por su música y coreografía, sino también por su narrativa y la complejidad de los personajes. La figura del bailarín principal, el «príncipe», y la «prima ballerina» se establecieron como arquetipos en estas obras, que todavía se representan en teatros de todo el mundo.
P.I. Tchaikovsky
Os dejo aquí algunos fragmentos de los ballets de Tchaikovsky:
La bella durmiente
Y aquí podéis ver un fragmento de Coppelia, de Léo Delibes:
El Ballet en el Siglo XX: Innovaciones y Nuevas Direcciones
El siglo XX fue testigo de una revolución en el ballet. Nuevos estilos y movimientos emergieron, desafiando las tradiciones establecidas y llevando el ballet en direcciones inesperadas. Figuras como George Balanchine y Martha Graham aportaron nuevas visiones que ampliaron el concepto de lo que el ballet podía ser.
Aquí tenéis un fragmento del ballet "El sombrero de tres picos", de Manuel de Falla, compuesto en 1919. Fijaos cómo el estilo es completamente diferente al ballet clásico de Tchaikovsky:
El Ballet Moderno y sus características
El ballet moderno surgió como respuesta a las limitaciones del ballet clásico. Se enfocó en la expresión individual y la interpretación emocional, permitiendo a los bailarines explorar nuevos movimientos y estilos. Este enfoque dio lugar a coreografías más libres y experimentales, que incorporaron elementos de otras danzas, como el jazz y el contemporáneo. Los movimientos se volvieron más fluidos y menos estructurados, reflejando un cambio en la percepción de la danza como forma de arte.
Circo
Performance
Las características más destacadas de la performance incluyen:
* Inmediatez: Las acciones se ejecutan en tiempo real, creando una experiencia única y personal para cada audiencia.
* Espacio y tiempo específicos: La performance se desarrolla en un lugar y un momento particular, lo que resalta la importancia del contexto en la experiencia artística.
* Elementos multimedia: Muchas performances incorporan música, video, y otros medios que enriquecen la experiencia.
La performance desafía las categorías artísticas tradicionales, fusionando el arte visual, el teatro y la danza. Esto la convierte en una forma de expresión dinámica que invita a la reflexión sobre temas sociales y culturales.
¿Cuáles son los 4 tipos de performance?
Dentro del vasto mundo de la performance, se pueden identificar varios tipos que varían en su enfoque y ejecución. Los cuatro tipos más destacados son:
Referencias: https://mundoabc.com/performance-que-es-caracteristicas-definicion-y-concepto/
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